Llevo publicando avances sobre este proyecto desde hace tiempo sobretodo en twitter, pero todavía no le había dedicado tiempo a escribir algo en el blog desde el postmortem de agosto del año pasado.
Mi principal quebradero de cabeza ha sido (y sigue siendo) diseñar un personaje chulo que tenga suficiente carisma y es a lo que le he dedicado más tiempo, dejando bastante de lado el resto de cosas. Pero también cabe decir que creo que lo importante (en este proyecto) es encontrar un personaje chulo y a partir de ahí desarrollar el resto de la estética.
En esta primera entrada, que va a ser poco más que un art dump, he recopilado unas cuantas ilustraciones y bocetos de las diferentes ideas que he ido barajando sobre el personaje y a partir de ahora voy a ir haciendo una serie de entradas más especificas (y espero que más instructivas) sobre Picodungeon, centrándome principalmente en enseñar como he ido afrontando el desarrollo visual del proyecto.

Circe es el 2o jefe de Pharaonic y posiblemente sea mi personaje favorito del juego, aunque es el que tiene el desarrollo más tortuoso y problemático.

Según el concepto inicial, Circe es una antigua gobernante que fue enterrada en el Valle de los Reyes y que ha despertado de su letargo después que los saqueadores profanasen su tumba.

“Venidos en busca de las riquezas de los faraones y de la misteriosa Agua de la Vida desde Asur, en Mesopotamia.
Encontraron el agua en abundancia en un oasis oculto en el desierto, pero han sido corrompidos por su poder y ahora vagan sin rumbo.
Su codicia despertó a una criatura de tiempos remotos que reposaba oculta en las ruinas. Al entrar en contacto con el agua del desierto recuperó su poder, pero es altamente inestable.”

Cuando se escribió esto, el nombre que se usaba de placeholder para Circe era Nefertari, la Reina Liche. Y con la siguiente descripción:

“Como no tiene piel, la brisa marina hace que le escueza todo el cuerpo y es lo que provoca que esté siempre enfadada.”

Rediseño de Circe para el PicoDungeon

Como se puede ver, esto era más una broma que otra cosa, para no dejar en blanco el espacio que correspondía a su descripción. Pero, sin embargo, ya figuraba la que podría ser su principal rasgo físico: la ausencia de piel.

En algún momento del diseño del personaje me pareció buena idea que en vez que el personaje fuese total o parcialmente la típica momia egipcia, estuviese desollada como un ecorché.

Como se puede ver en estos collages de referencias, las principales son el busto de Nefertiti, varias figuras de ecorchés (incluyendo versiones digitales), la exposición Human Bodies y de forma más tangencial Khalida Neferher

Y este fue todo el desarrollo del personaje hasta que Victor Ojuel, el guionista del juego, cogió al personaje por banda y lo desarrolló como tocaba, adaptándolo al resto del trasfondo. Y así fue como la Reina Liche pasó a ser Circe y los bandidos Asirios sus súbditos.

Esta nueva versión del personaje está basada en la hechicera Circe de la mitología griega, que también hace acto de presencia en la Odisea. Y esto generó un pequeño problema que fué que no se actualizaron los diseños de los personajes al nuevo trasfondo. Si bien los bandidos eran bastante genéricos y dan bastante el pego, los motivos ornamentales de Circe son más egipcios que griegos.

En un caso como este, en el que se nos da poca información (unos pocos pnj hablan de ella), el diseño visual es esencial para que durante el poco tiempo que interactuamos, recibamos la mayor cantidad de información posible sobre el personaje.

Un rediseño rápido intentando buscar un look más griego

Este era el último artículo que tenía planificado sobre Pharaonic, así que en principio ya no voy a escribir más artículos sobre el tema, aunque siendo el mes que viene el primer aniversario del lanzamiento posiblemente me anime a hacer algo.

Introducción
A raíz de un hilo de Twitter en el que se hablaba de la enésima polémica sobre apropiación cultural en videojuegos (Overwatch y sus celebraciones de año nuevo en este caso) he llegado hasta este texto de Julie Valk de la Universidad de Oxford en el que desarrolla el tema a raíz de otra polémica con un fondo similar.
Me ha parecido una lectura muy interesante para profundizar en un tema complejo como es el de la identidad y la apropiación cultural y me ha empujado intentar plasmar por escrito mi visión sobre el tema a raíz de mi trabajo diseñando los personajes de los videojuegos en los que he participado en los últimos años.

En este texto me centraré en la diversidad y la representación, dejando para un próximo artículo el tema de la apropiación cultural.

Diversidad y videojuegos
Mi opinión personal, es que los videojuegos como entidad individual no tienen que hacer un esfuerzo por ser diversos. Cada obra es una entidad en si misma que puede ser diversa o no, en función de sus necesidades.
Sin embargo, el videojuego como medio global si que tiene que representar la diversidad del mundo interconectado en el que vivimos actualmente.
Aunque estamos avanzando poco a a poco, la cadena de producción, desarrollo y promoción de videojuegos carece de diversidad y esto se refleja en los productos finales.

Como desarrolladores podemos seguir trabajando como hasta ahora y esperar a que la industria se vaya renovando y genere contenidos más diversos a medida que este cambio se vaya haciendo efectivo o podemos trabajar desde ahora mismo intentando aportar nuestro granito de arena cuando sea posible.

Diversidad y representación: De White Noise Online a White Noise 2
La serie de videojuegos White Noise está formada por 3 títulos: White Noise (2012), White Noise Online (2013) y White Noise 2 (2016) y me centraré en los 2 últimos que son los que tienen personajes humanos definidos.

La premisa básica de los juegos es que un grupo de investigadores internacional se enfrenta a seres sobrenaturales en todo tipo de localizaciones alrededor del mundo.
Cuando hablo de aportar a la diversidad en los casos que sea posible, WNO y WN2 representan un ejemplo muy esclarecedor de como actuar.
La historia del juego no especifica de dónde tienen que ser los personajes. Ni su género, ni su nacionalidad, ni su etnicidad. Pueden ser de cualquier género, nacionalidad o etnia.
Esto quiere decir que, partiendo de la base que apuntamos a una audiencia global, hacer un reparto de personajes diverso no es algo que se tenga que hacer porque es lo políticamente correcto actualmente, sino que es una decisión que nos permitirá conectar mejor con nuestro público.

Pese a todo esto, los seis primeros personajes de White Noise Online (los únicos que tienen un modelo 3D único) acabaron siendo todos caucásicos.

Esto sobre el papel no me parece una mala decisión, pero si que me parece una desaprovechada. Como acabo de comentar WNO es un juego que podría haber llevado la diversidad al extremo y no se aprovechó para nada. Aunque es cierto que procuramos corregir un poco la situación a medida que fuimos añadiendo personajes extra, aunque estos se creaban cambiando la textura de los seis iniciales por motivos de tiempo y presupuesto.

Cuando empezamos el desarrollo de White Noise 2 eramos conscientes de este problema e intentamos subsanarlo desde el principio.

Empecé haciendo bocetos con una propuesta inicial con la alineación de personajes y a partir de aquí he ido diseñando los personajes de uno en uno, siguiendo el principio de paridad de género y llegado al punto que ya teníamos unos cuantos personajes hice un mapa para ver de forma visual como estábamos distribuyendo los personajes.

Los interrogantes representan posibles personajes, bien porque hay un boceto suyo hecho o porque nos parece un lugar interesante en el que basar uno.

Todo esto resolvería el punto de la diversidad, pero ¿y la representación?

Con unos ritmos de producción muy rápidos y sin tener demasiados conocimientos sobre la mayor parte de culturas y etnias del mundo, es muy fácil, apretados por las prisas, caer en el uso de estereotipos raciales, culturales y de género para intentar salir del paso. Y una mala representación puede ser peor que la ausencia de esta.

Para evitar esto en White Noise 2 los personajes están basados en personas concretas, de manera que intento representar los rasgos de los personajes a través de estas y no a partir de los posibles estereotipos que pueda tener en la cabeza.
El objetivo no es hacer un doble digital del modelo, sino utilizarlo de inspiración para desarrollar un personaje con una representación correcta.

Conspiraciones en la sombra
Para ir concluyendo, el hecho que cada vez encontremos más personajes que no son varones blancos heterosexuales en papeles principales y/o protagonistas, no es un ataque a este público (que tradicionalmente se ha considerado el principal y mayoritario dentro del mundo de los videojuegos) orquestado por los reptilianos desde su posición en el gobierno secreto del mundo, si no que representa un cambio de los tiempos.
Los jugadores han cambiado. Los desarrolladores han cambiado. Los juegos deberían ir cambiando.

¿Y si no hacemos un juego que encaje dentro de este nuevo paradigma de diversidad y alegría? Pues tampoco pasa nada. Como he comentado al principio, lo importante es que la diversidad se vea representada a nivel de conjunto, no a nivel individual, pero si esperamos a que los demás hagan algo, quizás nadie haga nada.

Este fin de semana ha sido la 36 Ludum Dare. En un principio se me ocurrió que podría ser interesante participar en una game jam de una vez por todas, pero me daba un poco de pereza tener que buscarme un equipo para participar (no se programar) y el hecho de no ser demasiado rápido creando arte para videojuegos me tiró un poco para atrás.

Cuando trabajo en proyectos personales en casa, además de ser lento, uno de los problemas que tengo es que me cuesta pasar de la fase de diseño. Empiezo muy bien, haciendo bocetos y pequeñas ilustraciones, pero cuando llega el momento de hacer los assets finales mi productividad se desmorona.

Así que, uniendo estas dos inquietudes: las ganas de participar en una jam y mejorar mi productividad, decidí montarme una “game jam” a mi medida, en la cual el objetivo sería hacer la mayor cantidad de assets para un juego imaginario (un dungeon crawler inspirado por The legend of Zelda) entre la tarde del viernes y la noche del domingo coincidiendo con la Ludum Dare.

Durante la semana anterior a la fecha marcada estuve determinando cual serían las reglas y limitaciones que deberían cumplir los assets. Me gusta mucho la estética 8 bit y me pareció buena idea aprovechar para experimentar un poco mezclándola con graficos 3D.

Además de las reglas durante esta semana previa, el diseño de la protagonista también quedó más o menos definido.

De todas las posibilidades ochobiteras, las que más me llaman la atención son la NES, Pico8 y Famicube, que tienen unas restricciones bastante interesantes para utilizarlas como reglas y un look muy característico cada una.

• La NES es toda una institución, pero me preocupaban las carencias de la paleta en algunos tonos, los 4 colores por sprite y no sabía si implementar la limitación de las 4 paletas (de 4 colores) simultáneas.
• La Famicube es una NES 1.5 ideada por Niklas Jansson con una paleta de 64 colores que cubre bastante bien todos los tonos y con unas restricciones más laxas (8 colores por sprite y 4 paletas de 8 colores simultáneas).
• La Pico 8 es una “consola de fantasía” creada por Lexaloffle. Su paleta solo es de 16 colores, pero no tiene limitaciones por sprite y es realmente característica.

Finalmente después de varias pruebas me decanté por crear un reglamento basado en la Pico8. Principalmente pensé que trabajar solo con 16 colores me facilitaría las cosas.

Las reglas son un poco arbitrarias, pero me gustaría irlas refinando con el tiempo.

¿Que fue bien?

• Aunque no hice tantos assets como esperaba, acabé con unos cuantos con un aspecto bastante aceptable.
• Pude ver donde me quedaba atascado a la hora de hacer concept art (uno de los puntos que he mencionado antes que me llevó a desarrollar este proyecto).
• Ha sido un primer paso para empezar a aplicar una estética ochobitera al 3D.

¿Que fue mal?

• No cerrar la lista de assets para hacer desde el primer momento hizo que en algunos momentos no tuviese claro que hacer a continuación y perdiese el foco y la motivación.
• Intenté hacer concept art para enseñar y no para trabajar en las condiciones que había y no conseguí tener acabados los diseños que tenía previstos implementar al día siguiente.
• No supe repartir bien los tiempos y acabó derivando en la engorilada del sábado con el personaje al que acabé dedicando todo el día. Esto fue principalmente a lo mencionado antes de no tener bastante cerrada la lista de tareas e ir un poco al tun tun.
• Los shaders. No tenía ni idea de como implementar mi visión de los “graficos 3D de 8 bits” y fui probando cosas. Esto hizo que perdiese mucho tiempo haciendo texturas y probándolas.

Resumiendo, ha sido una experiencia muy interesante, que me ha motivado mucho para seguir trabajando y mejorando y me ha dejado con muchas ganas de volver a repetir.

La idea del dungeon crawler me gusta y voy a intentar seguir desarrollándola, mejorando las cosas que quedaron un poco pachuchas por ir con prisas.

DÍA 1

El viernes era el día del concept art. Tenía medio día para tener diseñados todos los elementos y ir tranquilo el resto de días, pero me atasqué más de lo esperado.

Lo primero de todo fue intentar hacer un frame conceptual e intentar plasmar como se vería el juego

Nunca me decido por un peinado… al final me acabé decantando por uno fácil de hacer

Este no es el pelo que acabé utilizando

Si habéis jugado a Pharaonic, este personaje quizás os suene de algo… es el Jefe final de la mazmorra, pero es uno de los modelos que no me dio tiempo a hacer.

DÍA 2

Empecé el día haciendo cosas sencillitas (una espada y un escudo), pero en seguida me puse con lo que más me apetecía, los personajes. No calculé bien el tiempo y le dediqué prácticamente todo el día a la heroína. Con el rato que me sobró hice un slime especialmente cutre y empecé a trabajar en el final boss modificando la geometría de la prota.

Empecé el día con otro mockup para calentar un poco, pero creo que fue malgastar el poco tiempo que había

El modelo estaba acabado, pero todavía no me había decidido por el peinado…

El modelo de la Reina Liche (jefe final) está acabado, pero no me dio tiempo de hacer los UV y texturizarlo

DÍA 3

El domingo lo dediqué principalmente a hacer las piezas del escenario y algunos items. Quedaron en el tintero cosas como pociones y antorchas. Las antorchas me apetecía especialmente hacerlas para trastear un poco con partículas. También aproveché para corregir el modelo de los slimes y ponerle el esqueleto a la heroína. La recta final del día la dediqué a montar el escenario en Unity.

La textura del suelo

Aunque estemos más acostumbrados a relacionar los Mitos de Cthulhu con Nueva Inglaterra, su vinculación con el Antiguo Egipto es continua, desde Encerrado con los Faraones hasta la figura de Nyarlathotep.

El concepto inicial, como se pudo ver en el post anterior, se basaba en la idea que el alma de los sacrificios humanos se transmitía a una entidad que no acababan de comprender y que en realidad era Nyarlathotep. De forma que mientras los faraones se iban reencarnando vida tras vida, al mismo tiempo iban aumentando el poder de Nyarlathotep. La idea detrás de todo esto para aplicar al juego era la del tropo del “hombre detrás del hombre“. Presentar a un nuevo enemigo todavía más poderoso después de vencer al que en apariencia era el enemigo principal.

Finalmente esto no se aplicó y el Faraón Rojo se posicionó como el único enemigo explicito del juego.

A medida que vamos hablando con los diferentes npcs del juego, además de poder cotillear sobre los escarceos amorosos de unos cuantos personajes, podremos aprender un poco sobre la historia pasada. Sobretodo si hablamos con soldados y mercenarios, aprenderemos sobre la invasión, la posterior guerra contra los Hicsos y como fue finalmente el faraón Ahmosis (el Faraón Rojo) quién finalmente expulsó a los invasores y reunificó el alto y el bajo Egipto.

Los Hicsos no llegaron solos a Egipto, sino que trajeron con ellos el culto a sus dioses, y estos reclamaban sacrificios a cambio de su favor. Cuando los Hicsos fueron expulsados, el culto a estos nuevos dioses se mantuvo y Avaris, la capital del Bajo Egipto, fue reconstruida como su centro de culto. Dos de estas nuevas divinidades son Dagón y su hermanastra Oannes.

Dagón quizás os suene como un relato de Lovecraft, un antiguo dios filisteo o como el nombre la última película de Paco Rabal (que adapta de forma bastante laxa “La sombra sobre Innsmouth” de Lovecraft). Oannes por otro lado quizás os sea más desconocido y es una de esas figuras mitológicas que está presente en varias culturas próximas, pero con diferentes nombres y matices.

Siguiendo la estela de las mitologías clásicas, tanto nuestro Dagón como Oannes no son dioses abstractos, sino que son seres físicos. Y de la misma forma que los Lovecraftianos Dagón e Hydra cuentan con los profundos, nuestros dioses no iban a ser menos y cuentan con una raza de servidores anfibios.

En algún momento se consideró que esos servidores habitaban en las ruinas de la Atlántida o una civilización sumergida similar y que equipaban armas y adornos de oricalco.

Aunque la idea base de los guerreros anfibio (en la entrada anterior están mencionados como Hijos de Sobek), son los profundos, su diseño es más bien genérico y está más influenciado por los Hombres Lagarto de Warhammer que otra cosa…

Sin embargo para Oannes si que se buscó un diseño deliberadamente Lovecraftiano (Dagón no aparece en el juego, por lo que no se diseñó su apariencia).

Oannes, al igual que la figura mitológica, es un ser mitad pescado, mitad humano. Aunque en nuestro caso, ese pescado es una lamprea. El diseño original de este personaje es de Victor Ojuel.

El diseño original de Oannes, la satrapesa de Avaris.

Uno de los problemas que siempre me ha suscitado este personaje, es que está relacionado con Dagón y por tanto con Cthulhu, y sin embargo el diseño es claramente reminiscente a Nyarlathotep.

Dentro de la obra de Lovecraft, el mar se considera siempre algo ominoso, oscuro y peligroso. El sexo y las mujeres tampoco están en buen lugar dentro de la obra de Lovecraft. Sin embargo, esta visión no se corresponde con la de August Derleth, que además de ser conocido por sus esfuerzos por preservar la obra de Lovecraft, también lo es por tratar de sistematizar los Mitos de Cthulhu en un panteón organizado y coherente, además de profundamente maniqueo.

En mi caso, lo que buscaba era plasmar una estética con reminiscencias a la Nueva Carne o al Body Horror.

como siempre, las referencias son variaditas

Bocetos explorando diferentes posibilidades

La versión de Oannes en Dune…

Inspirado por Nyarlathotep a la izquierda y por una gorgona a la derecha

Al final optamos por la opción más similar al diseño original

El diseño final

y así quedó Oannes finalmente en el juego

Bonus round: el estado legal de los mitos de Cthulhu.

En todo este material que estoy compartiendo aquí, se hacen menciones a nombres y criaturas de los Mitos, pero solo están de forma conceptual, en la versión final del juego no se hace mención alguna a ellos, a menos que sean dioses ya existentes que tengan una variante Lovecraftiana. Sin embargo, hubo un momento que hablamos de hacer uso explícito de los Mitos en el juego y estuve haciendo una pequeña investigación sobre cual era su estado legal para ver si podíamos hacer uso libre de ellos (Lovecraft murió hace 79 años).

En resumen se puede decir, que la mayoría de relatos de Lovecraft están dentro del dominio publico. Si miramos los libros editados antiguamente por Alianza editorial en España, mencionan el copyright de la editorial Arkham House (fundada por August Derleth y Donald Wandrei para preservar el legado de Lovecraft tras la muerte de este), mientras que las ediciones más recientes de Valdemar, no hacen referencia alguna.

Al respecto de Arkham House y todo el follón legal que hay con la renovación de los derechos de la obra de Lovecraft, este artículo es imprescindible.

Sin embargo, hay que tener en cuenta que no todas las creaciones de los mitos de Cthulhu pertenecen a Lovecraft. Además de los autores pertenecientes al llamado Círculo de Lovecraft, que escribieron nuevas historias, añadieron dioses, monstruos y grimorios al panteón, gran parte del conocimiento que tenemos ahora, es a través de los juegos de rol de Chaosium, con sus bestiarios, listas de libros y panteones de dioses…

Chaosium mantiene la marca “Call of Cthulhu” para juegos (de mesa, de rol, videojuegos, etc.) por lo que si se quiere emplear esa marca o hacer un juego explicitamente lovecraftiano, lo suyo es hablar con ellos.

James Jacobs de Paizo (los editores del JdR Pathfinder) escribió esto en un foro en 2008. Es una fuente muy interesante, porque pertenece a una editorial de juegos de rol, que ha editado material de los mitos de Cthulhu. Y principalmente viene a decir que aunque en teoría los relatos de Lovecraft están dentro del dominio publico, la situación legal es un lío (leeros el artículo sobre Arkham House que he mencionado antes) y que lo suyo sería contactar con Chaosium.

Por otro lado también hace mención a una característica de la obra de Lovecraft y es como animaba a sus amigos a expandir su universo y a usar sus creaciones en sus relatos.

Finalmente os dejo con un par de posts de 2013 en los foros de RpgMaker:

• So you want to make a Lovecraft game and not get sued
• Cthulhu, copyright and how to deal with it easily

dentro de está “investigación”, también utilicé el buscador de marcas registradas de EEUU, no fuese que algun nombre Lovecraftiano estuviese registrado (como sucede con Call of Cthulhu).

Desde hace un tiempo que de vez en cuando aprovecho ratos libres para dibujar estatuas y hasta ahora solo había compartido los dibujos en twitter, así que me ha parecido buena idea recopilarlos en una entrada del blog cada vez que tenga unos cuantos.
Aunque tiendo a llevar el estilo un poco a mi terreno, el objetivo de estos dibujos es estudiar poses y anatomía a través de copiar esculturas. Suelo utilizar de referencia las esculuras que guardo en Pinterest, así que si le echáis un ojo, os podéis hacer una idea de los dibujos que iré subiendo.

Esta primera imagen la hice para el Big Culo Day de este año y la referencia es la copia del Pabellón de Barcelona de la escultura “Mañana” (Morgen) de Georg Kolbe (1877-1947)

Estos tres bocetillos rápidos son de Paul Troubetzkoy (1866-1938), Psyche de Isamu Noguchi (1904-1988) y de la 3a no he sido capaz de encontrar el autor.

Psyche (1878) de Johannes Hoffmann (1844-1920)

Otra vez Psyche de Isamu Noguchi. Tengo dudas del nombre de esta estatua, ya que he encontrado referencias como Psyche y como Undine…

Evening (1891) de Frederick W. Ruckstull (1853-1942)

En los posts anteriores hable de espada y brujería y de robots. En esta entrada ya voy a empezar a tratar la ambientación que finalmente ha tenido el juego: El Antiguo Egipto.
El texto que tenéis a continuación es una versión intermedia del proceso, si no recuerdo mal es algo que escribí sobre una base que había hecho Miguel Herrero y que de forma más o menos laxa estuvimos utilizando de hasta que empezamos a trabajar con Víctor Ojuel, que cogió todas las ideas que teníamos desperdigadas, les dio una forma coherente.

EL MUNDO DE PHARAONIC

Pharaonic transcurre en un mundo de espada y brujería basado principalmente en el Antiguo Egipto, el creciente fértil y el Mediterráneo Oriental durante el colapso de la edad de Bronce (1500-1250aC)

Egipto

Los gobernantes (Faraones) tienen una cierta obsesión por alargar su vida más allá de lo natural.
Durante siglos han estado experimentando con magia y tecnología para obtener la vida eterna. Y gracias al descubrimiento en los confines del reino, de la llamada Agua de la Vida pudieron completar el ritual de transferencia de las almas.

el 1er diagrama con los niveles también ayudaba a definir el mundo

El ritual de transferencia de las almas

Combinando los conocimientos de magia negra con la más puntera tecnología de la edad de bronce, los faraones han diseñado un ritual que empleando la energía de los cristales de Agua de la vida son capaces de transferir su alma al cuerpo de un sacrificio humano.

El alma del sacrificado es absorbida por la entidad oscura conocida como el faraón negro, Nyarlathotep.

El agua de la vida

En algunos lugares remotos, como en las montañas más allá de los desiertos, brota un légamo negro, tan oscuro como la misma noche. Mirar un charco de este légamo es como asomarse a un oscuro abismo.

Con el paso de los años, el légamo se condensa hasta formar cristales que irradian una energía maligna que corrompe física y mentalmente a aquellos que pasan demasiado tiempo cerca.

En algunas zonas del reino, los acuíferos han sido contaminados por los cristales, haciendo que en algunos oasis brote un agua con un brillo azulado característico.
El agua de estos oasis es conocida como el Agua de la vida. Al ser bebida en pequeñas cantidades provoca una agresividad desmesurada y si se consume demasiada puede provocar la muerte.
Esta agua no irradia tanta energía como los cristales, pero aún así estar expuesto a grandes concentraciones de esta puede provocar alucinaciones.
Sin embargo, si el agua es filtrada de forma correcta, puede beberse sin problemas y revitaliza el cuerpo y la mente.

El agua destilada es conocida como Estus (nombre provisional).

Bebiendo Aguavida mientras se acerca un enemigo afectado por el “mal de la roca”

El mal de la roca

Así es como se llama la influencia que provoca la energía del légamo y los cristales en los seres humanos.
Aquellos que son expuestos a su energía por un tiempo prolongando (los trabajadores de la cantera, por ejemplo) se van volviendo poco a poco más agresivos y acaban por perder el razonamiento.
Al mismo tiempo que sus mentes les van fallando, el cuerpo cede a la corrupción y acaban transformados en monstruos violentos.

Evolución de los diseños de los personajes afectados por el “mal de la roca”

Los bandidos

Venidos en busca de las riquezas de los faraones y de la misteriosa Agua de la Vida desde Asur, en Mesopotamia.
Encontraron el agua en abundancia en un oasis oculto en el desierto, pero han sido corrompidos por su poder y ahora vagan sin rumbo.
Su codicia despertó a una criatura de tiempos remotos que reposaba oculta en las ruinas. Al entrar en contacto con el agua del desierto recuperó su poder, pero es altamente inestable.

Nefertari¿?: La reina Liche

Como no tiene piel, la brisa marina hace que le escueza todo el cuerpo y es lo que provoca que esté siempre enfadada.

Tecnología en el bronce tardío

Estatuas animadas. La cúspide de la tecnología egipcia. Estatuas animadas por el poder de los cristales utilizadas como guardianes.
Construidas inicialmente como sirvientes, rápidamente se empezaron a desarrollar prototipos pensados para la guerra y el control de la población.
Los primeros prototipos eran toscos y limitados, pero a medida que se fue perfeccionando la tecnología para crearlos fueron ganando eficiencia.
La base para las estatuas se construye en la misma cantera de la que se extraen los cristales y la roca necesarias. Por lo que no es extraño ver prototipos en funcionamiento.
Las estatuas más avanzadas son las empleadas como guardianes de palacios y templos, o incluso como guardaespaldas de importantes personalidades.

Bocetos de los diferentes tipos de Golem que se pueden encontrar en la Cantera

El Golem de guerra es el último prototipo desarrollado por los sacerdotes ingenieros del faraón oscuro. Una enorme máquina de guerra propulsada por la energía de los cristales. Es el soldado definitivo, capaz de enfrentarse y derrotar a batallones enemigos enteros.
Su desarrollo todavía no está finalizado, así que el prototipo está guardado en lo más profundo de la cantera.

El golem de Guerra

Los hijos de Sobek

Uno de los primeros diseños para los “Hijos de Sobek”

Son de comportamiento brutal y ligeramente primitivo, pero su armamento y tecnología es curiosamente avanzado.
Las armas y armaduras de los híbridos proceden de ruinas submarinas de una antigua civilización que habitó la zona hace milenios, pero que contaba con unos conocimientos y tecnología mucho más avanzada que la actual, pero que adoraban a un panteón de dioses ahora ya olvidados.
Entre los dioses que adoraban destaca Dagón, el señor de los mares.

si, esto también se utilizó en algún momento para diseñar algo…

Los pueblos del mar

Los Aqueos, impulsados por el miedo y la desesperación han huido de su tierras natales en Micenas y Creta asediadas por un enemigo desconocido.
Buscan un nuevo hogar y si es necesario lo conseguirán con la fuerza de la espada.
Son gentes de mar, por lo que se les puede ver asaltando los pueblos que hay en las riberas del Nilo.

Como se puede ver, hay puntos más desarrollados que otros y unos cuantos son claramente placeholders, pero representan las bases que definen el juego. La integración de las mecánicas en la ambientación (aguavida), la influencia de Lovecraft (quizás no se deja ver especialmente en la versión final, pero fue una de las referencias clave durante todo el desarrollo), que el Antiguo Egipto no es una civilización aislada, sino que se relaciona con el resto de pueblos cercanos del Mediterráneo Oriental. Aunque esta forma de trabajar dejó algunas incoherencias, ya que algunos personajes se diseñaron con una nacionalidad en mente y por necesidad de ajustar mejor el guión finalmente se les otorgó otra (el caso más claro es Circe, al cual posiblemente le dedique una entrada para ella sola). Fue interesante desarrollar de esta forma, ya que el mundo se fue formando a partir de la ambientación primitiva, los requisitos de la parte jugable y las necesidades del guión.

En la entrada anterior hablé sobre los orígenes en forma de fantasía medieval europea de Pharaonic. En este post, voy a centrarme en la siguiente ambientación que consideramos utilizar.

Una vez decidido que optar por una ambientación más bien genérica no era una buena idea, empezamos a proponer todo tipo de ambientaciones posibles. Ya habíamos tanteado un poco elementos de ciencia ficción en forma de armaduras, pero intentando ir un poco más allá de lo meramente anecdótico salieron estas tres propuestas:

“Una antigua sociedad utópica con grandes conocimientos mágicos y tecnológicos basaba su bienestar en el trabajo de los autómatas (Maschinenmensch) producidos en serie en factorías automatizadas.
Tras el colapso de la civilización, los conocimientos tecnológicos se perdieron, pero algunas fábricas continuaron funcionando y creando autómatas de forma descontrolada.
Los restos de la civilización humana tratan de sobrevivir a una época oscura (de carácter pre-feudal) tratando de desentrañar los secretos de la tecnología del pasado.
Armaduras animadas y autómatas pueblan muchos de los rincones del mundo, trabajando en grupos organizados reconstruyendo el mundo del pasado y siendo un peligro para los humanos, a los que ya no reconocen como sus amos.
El héroe vive en una pequeña aldea que vive en relativa paz al estar aislada, pero en el momento que los terraformadores (autómatas constructores) lleguen a la aldea tendrá que emprender un viaje para encontrar la fuente de su poder y restablecer el orden en el reino.”

“Tras la caída de la civilización humana, los autómatas supervivientes al cataclismo formaron una sociedad que emulaba a la humana guiados por los Oráculos, los últimos androides vivos (mantenían el cerebro y la médula espinal).
Con el tiempo la utópica sociedad autómata fue derivando en un sistema de castas en el que no todo el mundo podía tener acceso a los mismos componentes mecánicos y sólo las clases altas tenían acceso a los componentes mágicos.
El héroe es un autómata de casta media que se suma a un movimiento rebelde que pretende desmontar la mentira sobre la que las clases altas tienen organizado su gobierno, ya que sospechan que hace tiempo que los oráculos murieron y los gobernantes siguen utilizando su figura para imponer su voluntad.”

“Un hechicero conocido como el Nigromante se ha hecho con conocimientos tecno-mágicos ya olvidados y ha levantado un ejército de almas, armaduras y autómatas con el que pretende subyugar al reino.
Sin quererlo el héroe se ve envuelto en una misión suicida a la torre del Nigromante para acabar con la pesadilla tecno-mágica.”

En este punto del desarrollo tampoco es que hiciese falta profundizar mucho más en la ambientación para ver si seguíamos adelante con ella (La jugabilidad y la ambientación han ido relativamente en paralelo durante todo el desarrollo), pero era importante ver si estas ideas básicas funcionaban sobre el papel.
Como queda bastante claro en los dibujos que hay a continuación, buscando inspiración picotee un poco de los diseños de Megaman Legends, Ironman, Ultrón, Gunnm, Tron, armaduras renacentistas… intentando buscar una estética que pudiese representar este mundo postapocalíptico poblado por robots con armadura.

Uno de los conceptos que personalmente me resultaba más atractivo del hecho de que el personaje fuese un autómata, era que realmente no se equipaba piezas de armadura, sino que iba sustituyendo sus piezas  por otras en función de las necesidades o del tipo de “build” con la que se quisiese jugar…

El concepto de los robots quedó completamente desechado, pero algunas ideas se mantuvieron, como las mochilas y el número de piezas de armadura equipables (En la versión final se desecharon los guantes, que pasaron a formar parte del pecho).

Sobre la mesa, dos propuestas de cuerpo inicial para el héroe, una más parecida a un esqueleto y otra que se asemejaba más a un plugsuit. La idea era que los plugsuits eran equivalentes a las armaduras ligeras y las armaduras medievales de Ironman eran el equivalente a las armaduras pesadas.

Ese momento que le pones neones a las armaduras…

Revisando los dibujos de esta fase, a parte de encontrar bastantes menos que de la anterior, he caído en la cuenta que no dibujé ni un solo robot chica (Ginoide)…
Esta fue la última propuesta antes de dar el salto al Antiguo Egipto, así que a partir del siguiente artículo ya entraré de lleno en el desarrollo de Pharaonic como tal.

He tenido el blog inactivo durante casi un año y he estado bastante más presente en twitter, instagram y actualizando el webcomic, pero tengo ganas de volver a subir cosas por aquí. Y sobretodo tengo bastantes ganas de hablar sobre desarrollo, así que aquí va un nuevo artículo.

Pharaonic salió a finales de abril en steam, a finales de junio en PS4 y está a punto de salir en XboxOne. Pero antes de ser un juego ambientado en el antiguo Egipto pasó por varias iteraciones, esta es la historia de la primera de ellas.

Antes de coger el lápiz y empezar a hacer garabatos, lo primero es documentarse un poco y por esa época solía hacer bastantes collages con imágenes que me llamaban la atención, además de utilizar los tableros de Pinterest.

miniaturas ochenteras y la nes entre otras cosas…

La primera propuesta sobre la que estuvimos trabajando fue una ambientación bastante genérica de espada y brujería que no duró demasiado…

me gustan las espadas antiguas, así que no dudé en hacer listados extensos de posibles espadas históricas

Un poquito de fantasía por aquí un poquito de ciencia ficción por allá y cierta obsesión con la paleta de colores de la nes y esa primera versión más o menos genérica empezó a tomar un poco más de forma…

armaduras de ciencia ficción

El objetivo de las siguientes ilustraciones era hacer un mockup de una escena del juego para ver como funcionaban los personajes al tamaño que podrían verse durante una partida y probar colores, sobretodo la relación jugador-enemigos y entre los personajes y el fondo.

si, este concept está calcado de una captura del Super Castlevania IV

Esta imagen es un paintover sobre una captura de una escena de Unity3D montada con piezas del Ziggurat

El trasfondo en si no había cambiado demasiado, seguía siendo el típico mundo de fantasía, pero con armaduras más streamline. Y colores complementarios…

En este punto del desarrollo, la idea era probar bastantes cosas diferentes sin cerrarnos demasiado, con unos diseños que tiraban más hacia lo medieval fantástico

Y otros que iban en una dirección más de ciencia ficción.

Queríamos que el jugador tuviese la posibilidad de jugar tanto con un avatar masculino, como con uno femenino, pero según como lo enfocásemos, podría suponer el doble de trabajo (para situarnos, en este momento ya contemplábamos la posibilidad de equipar diferentes piezas de armadura aunque no habíamos definido la cantidad). Por este motivo, hacer versiones diferentes de las armaduras estaba descartado desde el principio y eso hizo que probase algunos diseños en el que no hubiese demasiadas diferencias entre los cuerpos de los personajes y pudiesen equipar el mismo modelo de armadura.

En la versión final los modelos de personaje acabaron teniendo diferencias bastante notables y hubo que hacer 2 modelos por cada armadura (uno de los modelos se utilizaba como base para el otro, al que se le modificaban las partes que no encajaban).

Mientras íbamos definiendo la ambientación y el look, el juego tenía esta pinta

Podéis ver algunos diseños más de esta época en este post que escribí durante el desarrollo del juego cuando ya habíamos decidido que la ambientación sería egipcia.

En un segundo post, hablaré de la siguiente ambientación que se consideró, de la cual intentamos definir un poco más el trasfondo (y no es ninguna de las de la imagen de aquí abajo).

si, Soulsvania es el nombre con el que llamábamos a Pharaonic durante el desarrollo

Como parte de la actualización número 12 de Ziggurat, “Invasión de las zanahorias”, está Brunilda, la princesa zanahoria, que  es uno de los jefes que pueden salir en el cuarto nivel.
A continuación, el proceso de creación del personaje resumido en 3 breves pasos:

1- Búsqueda de referencias

2- Diseño

3- Implementación en el juego

Evidentemente hay bastantes pasos más entre el 2 y el 3, que tal y como está puesto parece un poco el tutorial del búho. Pero no era el objetivo hacer un post en detalle sobre como se convierte un diseño a un elemento dentro de un juego, cosa que dejaré para otro artículo.